Gottingham Work

Title：Open Studio #2

Year：2025

Medium：Architectural model, LED light, Tracing paper, Mixed media

Production Support：Saki Takeshita, Studio Xxingham K.K.

ブルース・ナウマンは「もし自分がアーティストで、スタジオにいるのなら、そのスタジオでやっていることはすべてアートであるに違いない。」と述べた。作者は、2024年に開催した個展において、自身のスタジオを縮小した模型を分解し、スタジオと同じ間取りの空間に再配置するインスタレーション《Open Studio #1》を発表した。この試みは、オリジナルと複製、二次元と三次元、光と影といった視覚的・空間的要素が相互に作用する関係性そのものを問い直し、スタジオという環境を客体化する実験でもあった。本作《Open Studio #2》は、この実践を発展させ、スタジオの外部へと展開するものである。

写真を扱う作家にとって、イメージを体験化する基本的な手段は、オリジナルプリントとしての平面作品の制作である。一方、建築家は空間を疑似的に体験するために模型を用いる。両者はスケールを伸縮させながら、空間と思考の間を行き来する。インスタレーションビューで展示を振り返った時、あるいは竣工写真を見返した時、物質性が消失し、すべてがイメージへと還元される。その時、壁に掛かっていた平面作品は部屋の窓のように、建築物の開口部は平面作品のように見えることがある。同時に、視覚から結びつく表象は意味記号と絡み合いながら、二次元・三次元（あるいは四次元）の往還を促す。本シリーズは、次元を横断するこのイメージの連続性を留保する試みである。

目に映る次元をそのままに、意味記号を剥奪された線・面・立体を維持することで、存在していたかもしれない世界線と、消失したかもしれない出来事が交錯し、異なる意図のもと、あるいは無意味なものとして、新たな秩序が呼び起こされる。ドイツの美術史家ヴィルヘルム・ヴォリンガーは『抽象と感情移入』において、世界の混沌と対峙する人間が平静を求めて欲する法則性や幾何学的秩序を「抽象衝動」として定義した。写真術はこれまで四次元の情報を二次元へと縮減し、視覚的秩序を与える役割を担ってきたが、意図的に高められすぎた抽象度はむしろ次元を増加させ、五次元の可能性を垣間見させるという転回を作者は仄めかす。

また、フィリップ・K・ディックの『アンドロイドは電気羊の夢を見るか？』に登場するレプリカントは、感情を伴わずに人間の行為をエミュレート（模倣）するが、そこには情報の入力と出力の応答に過ぎない彼らの振る舞いに戸惑う人間がいる。光を当てれば影が生じるという物理的現象もまた応答である。この応答をいくつもの人工光を駆使して操作する撮影手法をとる作者は、応答自体に疑問を投げかけ、光の操作を通じて物質・存在・視覚の関係性を再考する。

本作《Open Studio #2》では、プリント不在のライトボックスが会場であるギャラリー内の柱に立てかけられ、この柱を模倣した1/4スケールの柱（のような存在）をその発光が照らし出し、小さな柱はその存在のあり方を問われている。このライトボックスには、作者が普段撮影時に用いるトレーシングペーパーが挿入されており、その表面には微細なノイズのような質感が現れている。これは、光が媒質を通過する際に生じる不均質な散乱を可視化するものであり、作者はこの現象を「光のマチエール」と呼ぶ。印画紙への定着を伴わないこの発光体は、物理的な物質性と視覚的な像の狭間にありながら、空間に対して能動的に作用する。プリントされたイメージの代替ではなく、むしろイメージが成立する以前のプロセス、すなわち光の振る舞いそのものへと焦点を向ける装置として機能する。これにより、光と物質の相互作用を内包する空間の中で、観者は視覚の再解釈を促される。

クローンや生成AIのようなエミュレート技術は、その存在の意味や影響が明確に定義されないまま運用が開始されているが、会場にエミュレートされた柱（のような存在）は、ここではその振る舞いを留保している。像として定着しない光、スケールを操作された柱、実在とエミュレーションの境界にある構造物。それらが呼応し合い、観者に新たな秩序・無秩序の可能性を示唆する場としての開かれたスタジオを提示する。

Bruce Nauman once stated, “If I was an artist and I was in the studio, then whatever I was doing in the studio must be art.” In his solo exhibition held in 2024, Gottingham presented Open Studio #1, an installation where he dismantled a scaled-down model of his own studio and reassembled it within a space that replicated the studio's original layout. This endeavor served as an experiment to objectify the studio environment itself, while also reexamining the interplay of visual and spatial elements such as original and copy, two-dimensional and three-dimensional forms, and light and shadow. The current work, Open Studio #2, develops this practice further by extending it beyond the confines of the studio. For artists working with photography, producing two-dimensional prints is a fundamental means of materializing image-based experiences. Conversely, architects often use models to simulate the experience of space. Both practices involve traversing the boundary between space and thought through the manipulation of scale. When revisiting an exhibition through its installation views or reflecting on architectural works through completion photographs, material presence often dissolves, and everything is reduced to image. At such moments, a framed photograph may resemble a window, and an architectural opening may appear as a flat image. Simultaneously, representations tied to vision intermingle with signification, prompting a continual exchange between two, three, or even four dimensions. This series seeks to preserve and explore that continuity of image across dimensions. By maintaining lines, planes, and volumes stripped of symbolic meaning, while leaving their visible dimensions intact, possible timelines that might have existed—and events that might have vanished—intersect. This intersection, born under different intentions or perhaps devoid of meaning altogether, gives rise to a new sense of order. German art historian Wilhelm Worringer, in Abstraction and Empathy, defined the human desire for lawfulness and geometric order when confronted with the chaos of the world as an "urge to abstraction." Photography, which has traditionally compressed four-dimensional information into two dimensions to impose visual order, is here redirected by the artist, who suggests that an intentionally heightened degree of abstraction can, paradoxically, increase dimensionality and offer a glimpse into a fifth dimension. In Philip K. Dick's Do Androids Dream of Electric Sheep?, replicants emulate human behavior without emotion—merely responding to input and output stimuli. Yet humans are unsettled by this mechanical imitation. The physical phenomenon of light casting shadow is itself a kind of response. Employing photographic techniques that manipulate this response using artificial lighting, Gottingham questions the nature of response itself, and reconsiders the relationships among matter, presence, and vision through the manipulation of light. In Open Studio #2, a lightbox devoid of a photographic print is propped against a column within the gallery. Its glow illuminates a quarter-scale version of the same column—or something resembling it—posing questions about its mode of existence. Inside the lightbox, a sheet of tracing paper, typically used by the artist during shooting, has been inserted. Its surface reveals a texture akin to fine noise, visualizing the uneven scattering that occurs when light passes through a medium. Gottingham refers to this phenomenon as "the matière of light." This glowing object, without a fixed print on photographic paper, exists between physical materiality and visual imagery, yet actively engages with the surrounding space. Rather than serving as a substitute for a printed image, it functions as a device that focuses on the preconditions of image formation—namely, the behavior of light itself. In this way, viewers are invited to reinterpret vision within a space that embodies the interactions of light and matter. Emulation technologies such as cloning and generative AI have begun operating without clearly defined meanings or implications for their existence. Similarly, the emulated column-like entity in the gallery retains a suspended behavior. Light that does not settle into an image, a column manipulated in scale, a structure poised between reality and emulation—these elements resonate with one another to present an open studio: a space that suggests new possibilities for both order and disorder.